„Verflochtene“ Künstler verweben Schönheit, Erinnerung, Geschichte und Trauma in Textil- und Faserkunst

Entwined: A Group Exhibition of Textile and Fiber Art, die bis zum 4. Juni im Marietta Cobb Museum of Art zu sehen ist, ist die neueste Präsentation von unkonventionellen, ästhetisch überzeugenden Perspektiven auf traditionelle Genres, die Museumskuratorin Madeline Beck präsentiert – die sich offenbar zu ihrem charakteristischen Stil zu entwickeln scheinen. Wie in früheren Ausstellungen verwendet sie hauptsächlich Werke von Künstlern aus der Metropolregion, und wie immer hat Beck großen Wert auf Vielfalt aller Art gelegt, auch auf die Ästhetik.

Obwohl die traditionellen Methoden und Materialien der Textil- und Faserkunst durchgehend präsent sind, werden sie mit einer Vielzahl untraditioneller Materialien kombiniert oder bestehen fast vollständig aus diesen, wie im Fall von Sigh, Sally C. Garners korbähnlicher Skulptur aus dem Jahr 2021, aus der sie gewebt ist medizinische Atemschläuche.

Garner nutzt das Weben auf vielfältige und unkonventionelle Weise. In Altered Timelines No. 4, Jade (2022) bindet sie Zahnstocher aus Bambus zu einem flexiblen Textil zusammen, basierend auf der Idee, die Speichen eines Korbs zu lösen. Droplet in Time (2022) verwendet gewebte Streifen aus Cyanotypie-Drucken.

Ali O'Leary integriert Fotografie auch in handwerkliche Medien, indem sie Baumwollstickereien auf gesteppte Satinfotografien legt. Das Ergebnis dieser Methode sind wunderschöne, aber dennoch theoriegeladene Kunstwerke. Ein Beispiel ist Presence (2021), in dem das Wort im Titel unter einem Bild von Meer und Himmel erscheint und verschwindet, ein Linseneffekt, der vom Winkel abhängt, aus dem man es betrachtet.

Bei diesen unerwarteten Prozessen handelt es sich um ziemlich einfache Subversionen herkömmlicher Textilien, wenn man sie mit anderen Beiträgen vergleicht, wie zum Beispiel Susan Lenz‘ handgenähten Fragmenten von Vintage-Quilts, bei der alle Arten von ebenso Vintage-Alltagsgegenständen in Mandalas mit konzentrischen Kreisen befestigt werden. Spielzeugtaxis, Gewürzstreuerdeckel und 45-U/min-Schallplattenadapter sind nur ein kleiner Teil der Vielfalt der Objekte, die in diese Untersuchungen zu Geschichte und Erinnerung einbezogen werden.

In ihren verblüffenden Kombinationen aus Textur und Farbe in Wandstücken verwendet Gabrielle Torres aus Jeans gerissene Stoffe, Glasflaschen und Kunsthaar, fügt aber lebende Pflanzen wie englischen Efeu hinzu; Es bleibt während der gesamten Ausstellung am Leben, da Teile verdorren oder herabhängen.

Wie bei allen anderen Kunstwerken in dieser Ausstellung ist die Wirkung sowohl ästhetisch ansprechend als auch auf konzeptioneller und praktischer Ebene faszinierend – was steckt hinter solch unerwarteten Transformationen traditioneller Prozesse? Die Neugier auf diese Frage wird wahrscheinlich von der Ausstellung für das Publikum mitgenommen, das mit zeitgenössischen Textilkunstpraktiken nicht vertraut ist.

Im verwirrenden Kontext dieser Ausstellung kann selbst die relative Behaglichkeit von Rose M. Barrons Farbsublimationsdrucken auf Seidenbannern, die Frauen in fließenden Gewändern zeigen, die in fließendes Wasser getaucht sind, beunruhigend wirken. Das Gleiche gilt umso mehr für Sonya Yong James‘ zunächst vertraut wirkenden, wandfüllenden Film „Spirit Is a Bone“ (2020), der handgesponnene Vintage-Bettlaken und Kojotenzähne, Krähenknochen und Hundeasche zu einer fesselnden Meditation verwebt über Geschichte und Sterblichkeit.

Trauma taucht als durchgängiges Unterthema auf, oft auf unerwartete Weise, wie in Nicole Benners aus Kupfergarn gehäkelten Ganzkörperanzügen, ein buchstäbliches Unbehagen, das ein Symbol für ein Leben in chronischen körperlichen Schmerzen ist.

Einige von Jess Selfs Figurenskulpturen aus nadelgefilzter Wolle sind in Positionen positioniert, die die Reaktion auf vergangene Traumata widerspiegeln, aber Wholeness (2021) verfügt über eine Vielzahl cremefarbener Textilien, die eine Drahtmodellversion ihres Körpers bedecken, mit einem Stapel loser Stoffe Stoff zu seinen Füßen, der den Prozess der Erlangung von Ganzheit symbolisiert, den Carl Jung als die Vereinigung von Bewusstem und Unbewusstem ansah.

Hannah Ehrlich nähert sich Bewusstsein und innerer Dunkelheit auf eine ganz andere Weise. Ihre mittlerweile vertrauten Wandbehänge setzen ihre Erkundung von Chaos und Ordnung im Gefühlsleben in Stücken wie „2023's bruises“ fort, weil ich dich kenne, weiß ich, dass sie wunderschön sind.

Alle Ausstellungsthemen wie Geschichte, persönliche Erinnerung, Trauma und Transformation finden ihren Platz in den Werken afroamerikanischer Künstler, doch ihre persönliche Ästhetik bleibt das oberste Anliegen.

Die Kombination aus gewebten/geknüpften Netzen, Haargeflecht, Haarperlen, Wimpelfahnen und etwa einem Dutzend anderer Materialien in Zipporah Camille Thompsons Blue Magic (2022) evoziert eher, als dass sie im wahrsten Sinne des Wortes illustriert.

Das Gleiche, wenn auch auf völlig andere Weise, gilt für die wiederverwendeten Holzkompositionen von Ato Ribeiro in einem charakteristischen Stil, an den sich einige vielleicht aus der Blockbuster-Gruppenausstellung The Alchemists der Johnson Lowe Gallery erinnern.

Die Verwendung von rotem Ton und holländischem Wachstuch durch Jamele Wright Sr. ist ebenfalls aus jüngsten Ausstellungen bekannt, wird jedoch in der Serie „Familienporträts“ subtil erweitert.

Ihre vielfältigen metaphorischen Ansätze stehen in deutlichem Kontrast zu den traditionellen Medien und den radikalen Themen von Richard-Jonathan Nelsons digital manipulierter afrofuturistischer Bildsprache, einem Ansatz zur queeren schwarzen Kultur durch Jacquard-Stoffe. Der Titel einer Arbeit aus dem Jahr 2023 bringt es auf den Punkt: Gehen Sie aus der Reichweite des Ungewöhnlichen.

Neben seinen grenzüberschreitenden kulturellen Fragen widmet sich „Entwined“ weiterhin der Schönheit, wenn auch manchmal einer schwierigen Schönheit.

Die mit verschiedenen Fasern und Drahtverzierungen gewebten Steinzeugrahmen von Kathryn Somers sind wahre Meisterwerke, bei denen Textur und Farbe in ihren innovativen Kombinationen für sich allein ausreichen.

Im fast entgegengesetzten Sinne werden Kate Burkes quadratische Blumen- und Textstickereien aus an Dübeln aufgehängten Fäden zunächst als Sinneserlebnisse wahrgenommen. Burkes eloquent geäußerte Bedenken hinsichtlich der Unzulänglichkeit der Technologie, Gefühle von Trauer und Verlust einzudämmen und zu kommunizieren, sind dem unmittelbaren visuellen Vergnügen der Objekte selbst untergeordnet.

Auch wenn „Entwined“ oft so sehr in Ideen versunken ist, dass ein Wandtext unerlässlich ist, ist „Entwined“ eine Augenweide und eine intellektuelle Herausforderung zum Nachdenken.

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Rezensionen und Essays von Dr. Jerry Cullum wurden in der Zeitschrift Art Papers, Raw Vision, Art in America, ARTnews, International Journal of African-American Art und vielen anderen populären und wissenschaftlichen Fachzeitschriften veröffentlicht. Im Jahr 2020 wurde er für seinen herausragenden Beitrag zum Kunstjournalismus mit dem Rabkin-Preis ausgezeichnet.

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